Kim Kim + Friends ; The Water of Life / 킴킴 + 친구들 : 생명의 물 (2026)

 

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킴킴 + 친구들 : 생명의 물, 2026

Kim Kim + Friends ; The Water of Life, 2026

2026. 11.3 - 12. 31

실학박물관

기획: 킴킴갤러리

참여; 이수진, 이혜임, 오지용, 장뽈리, 조진경, 김전, 김현주, 김진아

Beauty in the bizarre: Couple Nayoungim and Gregory Maass hold exhibition at Atelier Hermès

SHIN MIN-HEE

https://www.koreajoongangdaily.com/lifestyle/beauty-in-the-bizarre-couple-nayoungim-and-gregory-maass-hold-exhibition-at-atelier-herms/12432349?searchFlag=1

Published November 24, 2024

Atelier Hermès in Gangnam District, southern Seoul, on Thursday. 

The duo is holding the solo exhibition “Paranoia Paradise” at the venue.

Nayoungim, whose real name is Kim Na-young, defines their chemistry as symbiosis. Maass, on the other hand, was more of a romantic: “It’s about love,” he said. “I have a dark character, but Nayoung is very positive. So, we are very different.”

They consider themselves a good team because they complement each other through their differences, especially when it comes to their work process. Generally, they would begin a piece each doing what they are good at — for instance Maass welds and Kim embroiders — together to produce outlandish, enigmatic works that are based on a method they call “Frankensteining.”

The concept derives from Mary Shelley’s famed 1818 novel of the same name in which the titular mad scientist gathers stolen body parts from charnel houses or mortuaries and electrifies a monster to life. Likewise, both Maass and Kim collect random objects, like folding screens, coins, dentures and flyswatters, to combine them and give them a fresh breath of life as an artwork. They come in such different shapes and sizes, ranging from paintings, sculptures and large-scale public installations, that it’s almost impossible to categorize what the duo’s signature work is.

The “Paranoia Paradise” exhibition, filled with some 60 new works, emphasizes the duo’s comprehensive attitude toward art rather than the meaning behind each single piece, according to Ahn So-yeon, artistic director at Atelier Hermès.

Collectively, the works tackle the “hybridity and grotesque,” which were prominent concepts for the duo since they were students in the 1990s. They intentionally avoid “perfection” because it’s too easy to achieve, Ahn said. The difficult part is actually rebelling against deep-rooted social norms, which is why they strive for eccentricity.

“Flower Nap 1~4” is a major example on view at the exhibition that expresses this attitude. The piece is composed of four traditional Asian hanging scrolls embroidered with flowers that are each paired with a flyswatter. The irony lies in the contrast between the beautiful silk stitching of nature’s beauty that attracts insects and a tool that instead kills them.

“Pairing these two disparate objects shows that even in a paradise, in the case of these flowers taking a nap, there is bound to be an entity that causes disturbance, like the flies, hence a paranoia,” Ahn said.

The duo’s explanation behind each artwork exists like a separate, perplexing entity that cannot be grouped together into one coherent plot. During the press conference, Maass would mention that psychology is not a science, but a form of literature. He would also equate ugliness and beauty in terms of worth. And he spoke about how the duo aims to show as much as they can before pointing out, “But what we are really exhibiting is nothing, because there’s nothing in between the objects, but it’s a good nothing. It’s not like ‘nothing left to lose’ or ‘nothing to hope for.’”

Because much of the duo’s artworks are identified by the arbitrary components, they are generally defined as readymades. But Maass and Kim approach their pieces as postproduction, in the sense that they alter and put the individual objects into new contexts.

“It’s meaningless to try and invent something completely new in the present day,” Ahn said. “For these two artists, it’s about how you’re going to reinterpret an already existing object and give it a new purpose.”

The duo oftentimes does that with famous entities, like a chain of plastic pickles each with the face of American actor Nicolas Cage (they nicknamed it “Picolas Cage”), a canvas with a stitching of Minnie Mouse stained with coffee and a large-scale Hello Kitty sculpture that has two faces, front and back, like the ancient Roman god Janus.

The coffee stains on the embroidery piece, titled “Mini Mouse” (2020-24), was made deliberate to prove a point: that it’s real, as opposed to the beloved Disney character. The duo claims that she is not really a mouse, but an illusion.

“We [humans] project ourselves on an animal,” Maass said, giving an example through the shark. “We don’t like the animal side of the shark, but we like the aggressiveness of the shark. But we don’t like to encounter them.”

The same goes for Hello Kitty with the “Kitty Enlightenment” installation. Everyone thinks the character is a cat, but Sanrio has previously revealed that she's supposed to be a little girl.

Nayoungim and Gregory Maass, who have been working together since 2004 as an artist duo, are also a married couple. Call it what you want, but they refuse to be referred to as a “collaboration.”

“We do not collaborate. ‘Collaborate’ sounds like a word from the war,” Maass said during a press conference.

works by Nayoungim & Gregory Maass, ATELIER HERMES

From left: "Size Matters," "Roman Gentleman's Goblet," 

"By Any Means Necessary (Dionysus),"

"아미타불 Amitabha Buddha," "Good Riddance (FOKOF)" and "Bikini Bottom" 

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post-pre-colombian terra cotta pipes (2026) work in progress

Pre-Columbian tobacco pipes

https://pipemuseum.nl/en/precolumbiaanse-tabakspijpen

History of smoking started in Central and South America, where tobacco is a native plant. 

The Jama-Coaque culture of Ecuador was already smoking before 500 BC. Their tubular pipes can be sculpturally decorated.

In Mexico, many pre-Columbian pipes are found in shaft tombs, an indication of their ritual use. The pipes are well preserved because they are made of earthenware, a fire-resistant material which is important for a pipe.

In the classical period, from the year 0 to 900, many pipes in the Michoacan area of ​​western Mexico are sculptured. Decorated pipes in the shape of a ribbed mescaline cactus were popular. In addition, numerous other designs have been worked out over time, such as pipes with a triangular platform at the front of the pipe bowl.

The Purepecha or Tarascan of the later era, around 1200, are known for their pipes with large funnel-shaped bowls. At the bottom of the bowl we see two slender legs. Glaze did not exist in that period, but instead a beautifully polished engobe provided a light shine and exclusive appearance.

APM 9.632

 

APM 22.285

 

APM 434

 

APM 2.190

 

APM 21.041

APM 12.801

 

APM 11.963

 

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APM 16.733

APM 14.337

 

APM 19.822

 

APM 19.923

APM 8.839

 

에코페미니즘, 그 달라진 가치

• 섈 위 아트 | 자매들, 우리는 커진다
  Sisters, We Grow

  1999년 홍대서 개관한 대안공간 루프는 한국 미술계에 ‘대안공간’이라는 개념을 알렸다.
  울산시립미술관 관장인 서진석 대표가 그 출발점을 제시했다.
  당시만 해도 주류 미술계에선 전시하는 게 어려웠던 작가들의 작품(사진·디지털기술 등)을 중심으로 기획전을 진행했다. 
  
  이렇게 출발한 대안공간 루프는 1990년대 말 한국 예술계의 혁신을 상징적으로 보여준다.
  아트스페이스휴의 김노암 감독, 네오룩의 최금수 평론가 등이 그 혁신의 시대를 대안공간 루프와 함께 보냈다. 흥미롭게도 그때는 IT혁명이 일어난 시기와 일치한다. 혁신이 IT를 넘어 미술계에도 영향을 미친 셈이다.
  서진석, 김노암, 최금수 등 당대를 대표하던 젊은 피는 한국 미술을 좀 더 젊고 도전적인 무대로 만들었다. 
  
  이들의 크고 작은 노력은 1조원대 프리즈 아트페어가 한국 시장에서 열리고, 젊은 예술 애호가들이 탄생하는 데 문화적 기반이 됐다. 어쩌면 1990년대 문화를 선도한 그때 그 젊은 세대가 품었던 지식과 지혜가 MZ세대의 탄생을 이끌었는지도 모른다. 이같은 시대의 요구를 받아들이면서 대안공간 루프는 성장을 거듭했고, 조금씩 전문성을 갖춰갔다.
  
  10월 23일까지 열리는 ‘서울-샌프란시스코 교류전’은 대안공간 루프의 미래 방향을 잘 보여주는 기획전이다. 전시명은 ‘자매들, 우리는 커진다(Sisters, We Grow: Seoul-San Francisco Exchange Exhibition)’이다.
  
  
  
  김나영 & 그레고리 마스 ‘야외의 죽음(Death of the Outdoor), 2022
  
  양지윤 디렉터가 기획한 이번 전시는 ‘에코페미니즘’과 ‘자본주의 탐구’란 두가지 축을 중심으로 돌아간다.
  대안공간 루프가 여는 기획전답게 다소 어렵다. ‘에코페미니즘’이란 용어도 그렇지만, 이를 자본주의와 어떻게 연결해야 할지도 잘 모르겠다. 
  
  그럼 이 어려운 축은 어떻게 이해해야 할까. 필자는 독일 여성 최초로 물리·화학 박사학위를 받은 클라라 이머바르의 자살을 통해 이 어려운 논제를 풀어보려 한다.
  인류는 다른 동물과 달리 농경을 통해 자연의 섭리를 극복해 왔다. 지구에 발을 딛고 있는 대부분의 동물은 자신들이 태어난 지형에 영향을 받으며 진화와 멸종이란 운명을 받아들였지만, 인류만은 달랐다.
  농경을 통해 겨울에도 살아남을 수 있었기 때문이다.
  
  농경을 발판으로 생존에 성공한 인류는 ‘질소비료’를 발명해 더 큰 욕망을 키워나갔다. 이런 상황에서 1909년 유대인 출신 독일의 화학자 프리츠 하버(Fritz Haber)가 공기 중 질소를 농축해 암모니아를 합성하는 ‘하버법’을 개발했고, 뒤이어 살충제를 만들어냈다. 
  
  하지만 하버는 1차 세계대전 당시 ‘하버법’을 이용해 바닷물을 이용한 염소 독가스를 개발했다. 생존의 기술을 살상의 기술로 만든 셈이다.
  [※참고: 하버는 질소와 수소로 암모니아를 합성하는 방법을 연구해 1918년 노벨 화학상을 수상했지만, 1차 세계대전 당시 독가스 개발·살포를 주도해 ‘독가스의 아버지’란 오명을 뒤집어썼다.] 
  
  물리화학 학자 클라라 이머바르(Clara Hel ene Immerwahr)는 하버와 결혼한 후 남편의 연구를 돕는 제한적 역할만 맡아야 했다. 여성 과학자를 옭아맨 사회적 관습 탓이었다. 그 때문인지 이머바르는 행복하지 않았던 것 같다. 하버가 자신의 도움을 받아 완성한 염소 독가스가 벨기에를 성공적으로 공격해 자축 행사가 열리던 날 밤, 이머바르는 죄책감에 자살을 선택했다.
  [※참고: 이머바르가 자살한 이유를 두곤 여러 설이 존재한다. 다만, 하버가 개발한 염소 독가스가 전투에 투입돼 수만명의 사상자를 낳은 게 직접적인 자살 원인이라는 것이 중론이다(위키백과).] 
  
  이머바르의 자살은 시사하는 바가 크다. 피로 얼룩진 제국주의와 초기 자본주의의 폐단을 극단적으로 보여주고 있어서다. 어쨌거나 인류는 코로나19란 팬데믹을 극복하면서 새로운 시기로 넘어가고 있다.
  
  양지윤 디렉터는 이 과정을 이렇게 표현했다. “우리는 코로나19 국면에서 지금의 자본주의 시스템이 유효하지 않음을 새삼스럽게 확인했다. 우리는 인간과 자연, 인간과 인간, 남성과 여성이 서로 관계를 맺는 방식과 그 역사에 관한 연구를 시작해야 한다.” 
  
  ‘자매들, 우리는 커진다’ 전시는 지금 우리에게 필요한 변화가 무엇인지 상징적으로 보여준다.
  전시에선 ‘에코페미니즘’을 중심으로 자연을 대하는 새로운 시각을 제시한다. 가장 자연다운 자연을 고찰함과 동시에 농경 산업화·자본주의 전환 과정에서 배제됐던 여성의 가치를 재조명한다. 
  
  이 전시에 참여한 작가들의 작품의 초점도 ‘자연’과 ‘여성’에 맞춰져 있다. 1980㎡(약 600평) 규모의 제주도 땅에서 아로니아 농사를 하고 있는 6년 차 농부 작가 이다슬은 환삼 덩굴이라는 잡초를 전시장에서 기른다.
  엠마 로건의 ‘땅을 양도하기(Ceding Ground)’는 서부 개척과 식민지 역사가 담긴 북부 캘리포니아의 땅을 주제로 한다.
  
  권은비 작가는 관객과 함께 퇴비를 만드는 장치 ‘실패의 장소 안에 퇴비(Com-post in the place of fail ure)’를 전시장에 설치했다. 김나영 작가와 그레고리 마스는 ‘야외의 죽음(Death of the Outdoor)’이란 작품에서 채소가 음식으로 변이하는 과정에서 사용하는 도구로 조각을 만들었다. 
  
  이번 전시회는 오는 12월 샌프란시스코 아트 커미션에서 다시 열린다.
  2023년에는 콜파 출판사에서 단행본으로 출판할 예정이다.
  에코페미니즘의 가치와 더불어 지금의 자본주의를 탐구하고 싶은 이들에게 이 전시회를 추천한다. 
  
  출처 : 더스쿠프(https://www.thescoop.co.kr)
  김선곤 미술전문기자 2022. 10. 19

 

千葉国際芸術祭2025」の記録集

 Chiba International Art Festival 2025

「千葉国際芸術祭2025」の記録集を発売中！
市内書店およびオンラインストアで購入できます。
芸術祭の軌跡を振り返る一冊をぜひご覧ください。

📖書　　名　千葉国際芸術祭2025　ちから、ひらく。
📖価　　格　3,300円（税込）
📖販売期間　2026年12月31日まで（木）
📖販売場所
・くまざわ書店
　稲毛店、蘇我店、ペリエ海浜幕張店、ペリエ千葉エキナカ店、ペリエ千葉本店、ペリエ西千葉店、幕張店
・三省堂書店
　そごう千葉店、カルチャーステーション千葉
・未来屋書店
　鎌取店、千葉長沼店（アシーネ千葉長沼）、幕張店、幕張新都心店、マリンピア店
・未来屋書店オンラインストア
　https://store.miraiyashoten.co.jp/Form/Product/ProductDetail.aspx?shop=0&pid=chiba&cat=002

📖掲載内容
　国内外32組のアーティストによる37の市民参加型アートプロジェクトの記録を収録。

芸術祭のコンセプト「ちから、ひらく。」のもと、市内各地で展開された創造的な活動の軌跡を豊富な写真とともに紹介しています。

■本件に関するお問い合わせ先
千葉国際芸術祭実行委員会事務局
（千葉市市民局生活文化スポーツ部文化振興課内）
［MAIL］chiba-city-triennale@city.chiba.lg.jp

Publisher: Chiba International Art Festival Executive Committee

A record of the Chiba International Art Festival 2025.

Specifications: A4 size, 184 pages, full color

[Contents]
(1) Three keywords for opening the Chiba International Art Festival 2025
(2) Introduction of citizen-participatory art and projects held in six areas of the city
(3) A look back at the Chiba International Art Festival 2025
This record introduces how familiar landscapes that have been cherished by local people, such as train platforms, housing complexes, and closed greengrocers, take on new faces through the art festival. We believe that this will be of interest to a wide range of citizens, from children to the elderly, as well as art fans. In addition, it includes a wealth of photographs that convey what happened during the festival, allowing readers to visually experience the atmosphere of the venues and convey the charm of the art festival.

[Chiba International Art Festival 2025 Overview]
With the aim of creating opportunities for citizens to experience art projects more easily and to become aware of and familiar with the charm of art and the local area, this citizen-participatory art festival featured exhibitions of 37 citizen-participatory art projects by 32 artists from Japan and abroad. Unearthing little-known places with local charm, such as urban gaps, vacant shops, and public spaces that tend to be buried in everyday life, from the perspective of artists, the festival was held with a focus on six areas as arts fields (cultural creative hubs) for art projects.

익숙하거나 낯설거나…변모하는 사물과 마주하다

  수원시립미술관 '▭No(빈칸) …' 기획전

11명 작가 회화·설치작품 등 62점 선봬
인간 삶과 연관된 사물의 관계 재조명

인간이 사물을 대하는 모습은 어떠해야 할까?

수원시립미술관은 올해 첫 기획전 '▭(빈칸)이 살아가는 새로운 방식'을 통해 인간과 사물의 관계를 

조명한다. 기획전은 오는 6월20일까지 열린다.

수원시립미술관은 다소 생소하게 기획전시 제목 주어를 특정 단어 대신 '▭(빈칸)'을 넣어 관람객 자신만의 정의를 내리도록 배려했다. 이번 전시에 주재환, 오민, 최병석, 김나영 & 그레고리 마스, 차슬아, 이종석, 구성연, 박지현, 최제헌,  최고은, 최병소 등 모두 11명(팀)의 작가가 참여한다. 현대 사회의 '사물'과 '인간'의 다양한 관계성을 담은 회화, 사진, 설치, 미디어 아트 등 작품 62점이 선보인다.

▲ 주재환 작 '사자성어, 나의 푸른 꿈'.

▲ 김나영, 그레고리 마스 작 'Foam Follow function'.

전시회 1부 '익숙하고 낯선'에서는 본래의 쓰임에서 벗어나 새로운 기능과 의미를 지닌 사물을 표현한 작품이 전시된다. 관람객은 인간의 삶 속에서 사물의 쓸모와 쓰임새를 관찰해 새로운 의미와 기능을 

지닌 '익숙하지만 낯선 사물'을 만나 볼 수 있다.

이어 2부 '낯설지만 익숙한'에서는 사물이 지닌 본래의 기능과 쓰임은 사라지고 전혀 다른 모습이 돼 

일상으로 돌아온 모습을 조명한 작품이 관람객을 찾는다. 또 이전에 알고 있던 사물의 형태와 실체는 잃었지만 새로운 방식과 공간을 만나 새롭게 변화한 사물을 표현한 작품이 전시된다.

전시회 참가한 작가들은 인간의 삶과 연결된 다양한 흔적을 담고 있는 이 시대의 사물이 익숙하거나 

낯설게 변모하는 사물의 새로운 체계를 작품으로 표현했다.

관람객은 기획 전시 '▭(빈칸)이 살아가는 새로운 방식'을 통해 지금 이 시대 인간의 삶에 어울리는 모습으로 창조되고, 크고 작은 변화 속에서 변모해가는 '사물'이 새롭게 살아가는 방식을 들여다볼 수 있다. 

그 뿐만 아니라 작품을 통해 현대 사회의 '사물'이 지닌 특성을 '인간'과의 관계를 중심으로 살펴볼 기회를 갖게 된다. 관람객은 또 일상과 예술의 접점을 새로운 각도에서 발견함으로써 사물에 대한 인식과 사고를 확장할 기회도 얻게 된다.

수원시립미술관 김진엽 관장은 “코로나 19로 익숙한 일상이 낯설게, 낯선 것이 익숙하게 변화된 지금의 모습처럼 새롭게 변모한 사물을 통해 일상을 새로운 시각으로 재발견하는 자리가 될 것”이라고 

말했다.

관람은 '생활 속 거리 두기' 지침에 따라 미술관 누리집을 통한 사전 예약으로 가능하다. 

일 4회(10시, 12시, 2시 4시), 회당 관람 인원은 40명으로 제한하며, 1인 최대 4명까지 예약할 수 있다.

출처 : 인천일보(https://www.incheonilbo.com)

《한국미술 0년: 42개의 이야기》 Korean Art Year Zero: 42 Stories

  토탈미술관 50주년 특별전

Beyond 50 Years of History: Standing at Year Zero Once Again

To mark its 50th anniversary, the Total Museum of Contemporary Art presents the special exhibition Korean Art Year Zero: 42 Stories.

Founded in 1976 as Total Gallery in Dongseung-dong, Seoul, and later moving to Jangheung before establishing its current home in Pyeongchang-dong, Total Museum has been a vital part of experimental practices in Korean contemporary art for the past half-century. Rather than presenting a retrospective celebrating its own history, this exhibition begins with a question: Where might Korean art begin again?

The “zero” in the exhibition’s title does not signify emptiness or absence. It marks a point where endings and beginnings converge—a moment when familiar standards and established orders are unsettled, giving rise to new questions.

Spanning more than 120 years, from Korean migration to Hawaii in 1903 to the present day, Korean Art Year Zero: 42 Stories brings together artworks and images created across different periods and contexts, reconnecting them with personal memories and historical and social events.

The exhibition unfolds throughout the museum, extending beyond its galleries into the basement, annex, garden, rooftop, and even the open air surrounding the building. Corridors, stairways, and other interior architectural spaces become part of the exhibition, while the museum’s outdoor environment is also brought into its expanded spatial framework.

The 42 storefronts are conceived as distinct yet loosely interconnected stories. Rather than following a single chronology or established art-historical lineage, the exhibition focuses on the questions and tensions that emerge when seemingly unrelated works encounter one another. As visitors move between the museum’s interior and exterior spaces, they are invited to discover their own connections and interpretations among different times, artworks, events, and memories.

A central question runs throughout the exhibition: What can art do in times of turmoil? Over the past century and more, Korean society and the wider world have experienced colonialism, war, national division, migration, industrialization, democratization, rapid technological development, and profound social transformation. Artists have responded to these realities in their own distinct ways, seeking to understand and engage with the world around them.

The exhibition connects these artistic practices to the fundamental question of mourning. Here, mourning extends beyond grief over personal loss. It is understood as an artistic attitude: remembering what is disappearing, confronting the wounds of history, and discovering the possibility of continuing to live despite them.

One work that symbolically embodies the exhibition’s title is Kwak Duck-jun’s scale piece. A stone rests on a scale, yet its needle points to zero. Has the stone lost its weight, or has the system intended to measure it ceased to function properly? In this paradoxical image, zero signifies not nothingness, but the moment when established systems of measurement and judgment can no longer adequately explain the world.

In the museum garden, Hong Myung-seop presents an installation using stainless-steel lines and multicolored cords that traverse the architecture and surrounding outdoor space. Connecting the ground, the building, and the open air, these lines transform the museum’s exterior into an expansive spatial drawing. Nearby, Kim Kulim poses the question, “Art? Mart? Arty?” challenging the boundaries between art and the marketplace, and between artistic expression and commercial value.

The exhibition’s first story brings together Moon Hyeong-min’s Bikini Virgin and Lee Yongbaek’s Pietà. Images associated with mass consumer culture intersect with the history of nuclear testing at Bikini Atoll in the Pacific and the mourning of a mother who has lost her child. The encounter between seemingly unrelated images and historical events exemplifies the exhibition’s approach to constructing relationships between works.

Elsewhere, Moon Hyeong-min’s Mickey Mouse, made from candle wax, transforms an icon of consumer culture and capitalism into a figure destined to melt and disappear. A large black mouse in the basement and a small red mouse in the annex reappear in different forms as visitors move through the exhibition, allowing them to experience the recurring image and its transformations.

The exhibition’s final story centers on Kim Beom’s video painting Yellow Scream. The artist combines the act of applying yellow paint to a canvas with screams of varying pitches, bringing together color, voice, brushwork, and emotion in a single artistic act.

Instead of a golden monument commemorating the museum’s 50th anniversary, the exhibition concludes with a yellow scream—a color charged with shifting voices and emotions. This final space also features Shin Meekyoung’s Kore and Joo Jae-hwan’s Spring Rain Descending a Staircase (Boy Urinating), among other works that evoke mythology and everyday life, death and regeneration.

In this way, the exhibition returns to its point of departure: zero.

Korean Art Year Zero: 42 Stories does not seek to present a definitive history of Korean art or organize the past into a completed narrative. Instead, it reconnects artworks and images from different periods with individual memories and social events, opening up possibilities for new relationships and interpretations yet to be discovered.

Extending beyond the museum’s physical boundaries—encompassing its interior and exterior, the ground and the open air—this special exhibition looks back on Total Museum’s 50-year history while asking what art can remember, mourn, and imagine anew as it moves through times of turmoil.

Participating Artists | Kwak Duck-Jun, Quac Insik, Kong Sunghun, Geum Nuri, Kim Kulim, Kim Doo-jin, Kim Beom, Kim Bora, Kim Bong-jun, Kim Seok-hwan, Kim Seung-yeon, Kim Yang-dong, Kim Wook-kyu, Kim Yun-shin, Kim Joo-young A, Kim Joo-young B, Kim Tae-hyup, Kim Hyo-yeon, Namgoong Hwan, Noh Suntag, Du Kim, Ru Kim, Moon Seo-jin, Moon Hyeong-min, Park Kyung / Storefront, Park Ki-il, Park Seo-bo, Bang & Lee, Nam June Paik, VAKKI, Suh Yong-sun, Seo Hyo-jung, Sung Neung Kyung, Sung Wan-kyung, Sung Chan-kyung, Son Sang-ki, Song Sung-jin, Song Ho-jun, Shin Meekyoung, Shim Moon-seup, Shim Jeong-soo, Yayo, Yaloo, Omyocho, Oh Min, Yoo Hyun-mi, Lee Kang-so, Lee Kun-Yong, Lee Do-young, Lee Soon-jong, Lee Seung-taek, Lee Yongbaek, Lee Woong-chul, Lee Yuum, Lee Eun-jung, Lee Sang-hyun, Jang Ji-a, Jung Da-woon, Jung Min-su, Joo Jae-hwan, Theresa Hak Kyung Cha, Choi Sung-ho, Pilseung, Hong Myung-seop

Dates | October 16, 2026 (Fri) – February 28, 2027 (Sun)

Venue | Total Museum of Contemporary Art

Chief Curator | Lee Young-chul
Head Curator | Nathalie Boseul Shin
Head of Administration | Won Yoon-hee
Curators | Kim Min-seon, Yun Hyun-min
Coordinators | Kim Ban-suk, Kim Seo-yeon, Lee Chae-ryung

http://totalmuseum.org/exhibition/upcoming-exhibition/korean-art-year-zero-42-stories/

https://www.instagram.com/p/DekxYmZk3JK/?img_index=7

50년의 역사를 넘어, 다시 ‘0년’에 서다

토탈미술관은 개관 50주년을 맞아 특별전 《한국미술 0년: 42개의 이야기》를 개최한다.

1976년 서울 동숭동 토탈갤러리에서 출발해 장흥을 거쳐 평창동에 자리 잡은 토탈미술관은 지난 반세기 동안 한국현대미술의 다양한 실험과 함께해 왔다. 이번 전시는 그 역사를 기념하는 회고전이 아니라, 한국미술이 어디에서 다시 시작될 수 있는가라는 질문에서 출발한다.

전시 제목의 ‘0’은 아무것도 없는 상태를 의미하지 않는다. 끝과 시작이 맞닿는 지점이자, 익숙한 기준과 질서가 흔들리면서 새로운 질문이 발생하는 자리다.

《한국미술 0년: 42개의 이야기》는 1903년 하와이 이주에서 오늘에 이르기까지 120여 년의 시간을 가로지르며, 서로 다른 시대와 문맥에서 탄생한 작품과 이미지, 개인의 기억과 사회적 사건을 새롭게 연결한다.

전시는 미술관 전관을 비롯해 지하와 별관, 정원과 옥상, 건물 외부의 허공까지 아우르며 펼쳐진다. 전시실과 복도, 계단 등 건축물 내부뿐 아니라 미술관을 둘러싼 외부 환경까지 전시의 영역으로 끌어들인다.

42개의 스토어프런트(storefront)는 각각 독립적인 이야기이면서도 서로 느슨하게 연결된다. 하나의 연대기나 미술사적 계보를 따라가는 대신, 이질적인 작품들이 만날 때 발생하는 질문과 긴장에 주목한다. 관람객은 미술관의 안과 밖을 이동하며 서로 다른 시간과 작품, 사건과 기억 사이에서 자신만의 연결과 해석을 만들어갈 수 있다.

이번 전시를 관통하는 중요한 질문은 ‘난세 속에서 예술은 무엇을 할 수 있는가’이다. 지난 100여 년 동안 한국 사회와 세계는 식민과 전쟁, 분단과 이주, 산업화와 민주화, 급격한 기술 발전과 사회적 변화를 겪어왔다. 예술가들은 이러한 현실 속에서 저마다의 방식으로 세계를 인식하고 대응해 왔다.

전시는 이러한 예술적 실천을 근원적인 ‘애도’의 문제와 연결한다. 여기에서 애도는 개인적인 상실에 대한 슬픔에 머무르지 않는다. 사라져가는 것들을 기억하고, 시대의 상처를 마주하며, 그럼에도 다시 살아갈 가능성을 발견하는 예술의 태도와 맞닿아 있다.

곽덕준의 저울 작업은 이번 전시의 제목을 상징적으로 보여준다. 저울 위에 돌 하나가 놓여 있지만 바늘은 ‘0’을 가리킨다. 돌의 무게가 사라진 것일까, 아니면 무게를 측정하는 시스템이 제대로 작동하지 않는 것일까. 이 역설적인 장면에서 ‘0’은 무(無)가 아니라, 기존의 척도가 더 이상 세계를 온전히 설명하지 못하는 순간을 드러내는 기호가 된다.

미술관 정원에서는 홍명섭이 스테인리스 선과 다채로운 색의 줄을 이용해 건축물과 외부 공간을 가로지르는 작업을 선보인다. 선들은 땅과 건물, 허공을 연결하며 미술관의 외부 공간 전체를 하나의 거대한 공간 드로잉으로 확장한다. 그 곁에서 김구림은 “Art냐, Mart냐, Arty냐”라는 질문을 통해 예술과 시장, 예술적인 것과 상품적인 것의 경계를 흔든다.

전시의 첫 번째 이야기에서는 문형민의 ‘비키니 버진(Bikini Virgin)’과 이용백의 ‘피에타(Pietà)’가 마주한다. 대량소비문화의 이미지와 태평양 비키니 환초에서 이루어진 핵실험의 역사, 자식을 잃은 어머니의 애도가 한 공간에서 교차한다. 서로 무관해 보이는 이미지와 사건의 충돌은 이번 전시가 이야기를 구성하는 방식을 보여준다.

한편, 문형민이 초로 제작한 미키마우스는 소비문화와 자본주의의 상징을 소멸하는 형상으로 바꾸어 놓는다. 미술관 지하의 검은 쥐와 별관의 붉은 쥐는 전시 공간을 가로지르며 반복적으로 등장하고, 관람객은 그 이미지가 변주되는 과정을 경험한다.

전시의 마지막 이야기는 김범의 영상 회화 작품 〈노란 비명〉이다. 작가는 노란색 물감을 칠하는 행위와 다양한 높낮이의 비명을 결합해 색채와 목소리, 붓질과 감정을 하나의 행위로 연결한다.

50주년을 상징하는 황금빛 기념비 대신, 끊임없이 변화하는 목소리와 감정이 뒤섞인 노란 비명이 전시의 마지막을 장식한다. 그 곁에는 신미경의 〈코레(Kore)〉와 주재환의 〈계단을 내려오는 봄비(오줌을 누는 소년)〉 등 신화와 일상, 죽음과 재생을 환기하는 작품들이 함께 놓인다.

그렇게 전시는 다시 처음의 ‘0’으로 돌아간다.

《한국미술 0년: 42개의 이야기》는 하나의 한국미술사를 제시하거나 지난 역사를 완결된 이야기로 정리하지 않는다. 서로 다른 시대의 작품과 이미지, 개인의 기억과 사회적 사건을 연결하며 아직 발견되지 않은 관계와 새로운 해석의 가능성을 열어둔다.

미술관의 안과 밖, 땅과 허공까지 전시의 공간이 되는 이번 특별전은 토탈미술관의 50년을 돌아보는 동시에, 예술이 난세를 통과하면서 무엇을 기억하고 애도하며 새롭게 상상할 수 있는지를 묻는다.

전시명 | 한국미술 0년: 42개의 이야기

참여작가 | 곽덕준, 곽인식, 공성훈, 금누리, 김구림, 김두진, 김범, 김보라, 김봉준, 김석환, 김승연, 김양동, 김욱규, 김윤신, 김주영A, 김주영B, 김태협, 김효연, 남궁환, 노순택, 듀킴, 루킴, 문서진, 문형민, 박경/스토어프론트, 박기일, 박서보, 방앤리, 백남준, 빠키, 서용선, 서효정, 성능경, 성완경, 성찬경, 손상기, 송성진, 송호준, 신미경, 심문섭, 심정수, 야요, 얄루, 오묘초, 오민, 유현미, 이강소, 이건용, 이도영, 이순종, 이승택, 이용백, 이웅철, 이윰, 이은정, 이상현, 장지아, 정다운, 정민수, 주재환, 차학경, 최성호, 필승, 홍명섭

날짜 | 2026. 10. 16(금) – 2027. 2. 28(일)
장소 | 토탈미술관 
총괄기획자 | 이영철
책임큐레이터 | 신보슬
행정실장 | 원윤희
큐레이터 | 김민선, 윤현민
코디네이터 | 김반석, 김서연, 이채령